傅一平（傅一平紫砂工作室）-九幽软件

参加座谈会的部分嘉宾合影

7月21日，由广东省南方画院主办、广州市美术家协会理论艺术委员会学术支持的“意象”甲辰中国画作品展在广东省南方画院美术馆举办并进行座谈。此次邀请展，周国城先生作为发起者和策展人，邀请了北京郝邦义、浙江吴正明、傅一平、姚新兴、穆鼎宇，广州钟瑞军、赖智豪、许若文共九位画家，展出作品近60幅。

座谈会现场

西泠印社理事，国家一级美术师周国城，广州市美术家协会主席刘思东，广东画院理论室副主任，广东省青年美术家协会常务副主席卜绍基，广州市美术家协会原副主席区广安、孔繁乐，广东省文艺评论家协会原副主席、广东文化学会原副会长赵利平，广州画院专业画家、国家一级美术师赵健行，广州美术学院老师、广州市美术家协会副主席金仁贵，《新快报》收藏周刊主编、广东省青年美术家协会副主席李世云，《新快报》特刊编辑部副主任梁志钦，广东画院专业画家、广东省青年美术家协会副主席关坚，广东省青年美术家协会主席，广州市美术家协会副主席，广东省南方画院执行院长钟瑞军，广州艺术博物院副院长冯清源，广东省青年美术家协会副主席，广州青年美术家协会主席赖智豪，《收藏与拍卖》主编木子，广东省青年美术家协会外联部部长朱惠武，广州市白云区书协原主席赵节初，青年沙画艺术家段昕辰，广州市白云区书协副主席杜加元，中国美术学院中国画学与书学研究中心研究员、广州市增城区美术家协会主席邹俊豪，广东理工学院艺术设计学院副院长陈爱霞，中国艺术研究院硕士、广州青年美术家协会副秘书长许若文，广州市天河区美术家协会副主席喻冬友，广州市艺术博物院副研究员、广州青年美术家协会主席团成员黄亮，广州青年美术家协会副主席、广东省青年美术家协会副秘书长张伟，广州日报记者杨晓明，广州电视台记者王善萤等嘉宾参加了座谈会。座谈会由广东画院理论室副主任、广东省青年美术家协会常务副主席卜绍基主持。

座谈会现场

“意象”就是用来寄托主观情思的客观物象，“意象”可以理解为“写意”，是中国画的本质特征。写意精神是一种追求天地之美的情怀，其凝结了中华民族的传统审美精神，是对传统审美理想的升华。写意精神建立在“观物取象”“师造化”的基础上，展现了创作者的思想情感与艺术追求。在中国写意画中，创作者师法自然，游观万物，在对天地的观察与对内心世界的观照中，与自然产生共鸣。创作者立意为象，托物言志，“度物象而取其真”，通过审美创造，造意境于象外，最终达到“天人合一”的境界。专题座谈会上，与会专家表示，此展作品让观众领略到中国画的写意之美，加强了“诗、书、画、印”是中国画本体语言的理解。对于推动中国画的发展将会起到积极的启示作用。

展览现场

座谈会摘录

（内容根据现场录音整理，经发言嘉宾本人核对）

卜绍基

广东画院理论室副主任

广东省青年美术家协会常务副主席

今天，在南方画院举行一场题为“意象”的中国画邀请展，主要邀请了北京、江浙、广东三个地区的九位艺术家展出他们的新作，一方面向观众展示他们最新的艺术探索成果，另一方面也希望通过展览活动激发对中国画核心思想之一的“写意精神”的再思考。艺术创造的进程，无非就是在这种思考、实践、总结、再思考、再实践、提纯提炼的基础上不断地深入、不断进展。中国画的写意精神，不仅仅是技巧上的挥洒自如，更是心灵上的自由表达。它要求艺术家在创作时，不仅要观察自然，更要感悟自然，让内心的情感与外界的景物相互交融，最终在画布上留下独一无二的印记。“胸中有丘壑，笔下有乾坤。” 写意精神正是这样一种从内心深处流淌出来的艺术表达。

此次展览的这九位艺术家，他们的作品都可以看出始终根植于传统中国画的根脉，也就是一种在相对稳定的图式承继中追求深层次的气韵、神韵方面的拓展，而且能拓展出不同的艺术面貌和特征。比如周国城清逸潇洒，墨气淋漓的兰竹；郝邦义笔力挺健，清澈豪俊的写意花鸟；胡正明浑厚华滋的山水画风；以及傅一平的放达洒脱、笔意恣纵；穆鼎宇的空灵简练、率意朴直；姚新兴的淳朴恬静、设色雅致；钟瑞军形神兼备，意蕴悠长的水墨鹿；赖智豪的静穆高远、葱郁生机的山水画写生与许若文高古隐逸的写意文人画。

本次研讨会的主题“写意精神”，旨在深入挖掘中国画的内在精髓，探索其在当代语境下的发展与创新。我们将聆听多位艺术家和学者的精彩分享，他们将从不同的角度解读写意精神的当代意义，讨论如何在当代艺术创作中延续和发扬这一传统艺术的魅力。

傅一平

周国城

西泠印社理事

国家一级美术师

六月份我和瑞军去了杭州，见到了中国第一个花鸟画的博导闵学林老师，期间聊到大写意的问题，谈到当前美术学院本科学生，全部是从造型、素描、色彩考到美院，短时间让他们进行大写意创作是不可能的。如果美院从另外一个方式来招生，比如说考书法、考梅兰竹菊、考中国古诗词，也许能够慢慢培养出画大写意的人。大写意的东西不用讨论，讨论大写意是件幼稚的事情。

天平楼我挑了四个人来参展？从我自己的角度来讲，至少他们的书法过关。我一直提倡诗书画印、提倡以书入画。这次展览也算是一个尝试，没有过硬书法功底，大写意是不可能画好。不要说我们去改变书法，一定是书法来改变我们，也不要说守正创新，放在科技是可以的，在艺术方面怎么创新？很难创新，能够繁荣、能够继承、能够发扬就不错了。

杭州一位老师的工作室有副对联，“传统不够，创新有余”，很有含义！书法怎么创新？把所有西方的意识、西方的构成放在中国的传统文化里面来？讲得严格一点就是文化的间谍，是文化的破坏者。作为我们来讲，怎么忽悠，我也不相信你这一套，但是年轻人是很难（把控），整个市场是很难把控的。

大写意首先要过的是笔墨关，笔墨为画面服务的，而不是画面为笔墨服务的。同时，一定要坚持诗书画印。包括前几年出了一本诗集，很多人说，你写几万首诗都没有用，怎么比得过唐诗一首呢？我从来没有想过超过谁，但是朝这个方向来丰富自己的修养。只要你有心去做，一定有收获的。

中国大写意，“写”在前面，“意”靠的是诗。西方的早期油画是记录性的，没有电影、没有摄影的时候是靠绘画来记录故事。如果是电影和摄影技术发展到现在，如果还是超写实，人家也会乏味，因而西方后来会出现梵高、毕加索。但明代徐渭、八大超前意识要早几百年。

中国画通过线条来表现力量和气韵，如果线条很弱的话就缺少精气神。如果你认为我的观点对你有参考价值，把书法捡起来，能够灌输到你的绘画里面，也许会给你带来一个新的面孔、带来一种精气神的气息。

很多人跟我讲“中国画在明清以前没有诗书画印，你不要老是把诗书画印作为一个标杆，其实诗书画印是一个伪命题”。我说，是不是伪命题不管，不考虑，但是从我自己的体会、学习的过程告诉你，你学会诗书画印，不一定要精通，只要会，都能丰富你的题材，丰富你的画面，一定走得更远。

刘思东

广州市美术家协会主席

中国画对写意这个提法一直很有强调，现在大写意是特别能引起共鸣的话题，我个人认为可能涉及到中国人的审美特色问题。八十年代我们进美院，吸收到的营养和养分都是素描、色彩为基调，以单一的三维空间显现的立体造型为主，强调画得像不像、准不准，作为一个专业的水准和标准，这个标准与我劤古人的绘画观念不太一样。古人的绘画理念没有特别强调准确和像，更多的是注重画中的意境和神韵，现在反思我当时的美育教育是不够全面的。古人的绘画基调不太讲究画的像不像，结构准不准，绘画的观念都讲心，从内心出发，这个心很抽象，强调自身对物象的感受，以及自己的情感。当今图像世界高度发展的今天，重视国画的传统绘画，就会发现古人的绘画观念还是具有前瞻性。

中国传统的绘画里面还仅有自己精神和审美特色，工具上运用也有自己独特性。国画用的毛笔，与西画的油画笔不一样，毛笔的表达是通过文字，以线条的方式来表达的，其中就存在书写的习惯和书写的审美、特别是线条的审美特色融汇到绘画里面，不能只注重物像的真实，而忘记笔墨意象韵味。线条对物象的概括、提炼非常重要，甚至存在着抽象化顷向。因此，中国画在写形时，不仅要注意对象外在的形的把控，还要特别重调个人对外在形体有精神面貌的感觉，并与笔墨融为一体。

现在为什么很多人不愿意画大写意，不愿意碰大写意？我个人认为大写意有几个大难度：第一，人书俱老。对传统的学习，包括对笔墨的掌握和精髓要掌握，这个不容易，需要穷尽一生来钻研和研究才能够达到这个境界。像周国城先生到了这个年龄和境界，有书法长期的钻研、吸纳，才能够形成，只有老的时候才能体现出来，年轻还真的体现不了。这是一个难度，这个难度就卡了很多人，需要积累，需要时间段才能达到这样的境界。

第二，书卷气。这是一个很抽象的概念，我们看这个画家的认知度、养分，没有学过国画和学过书法就进入不了这个境界，体会不到笔墨呈现出来的气韵。对于艺术家来讲书卷气很难，因为书卷气里面有审美的鄙视链，有层次的，有正气、有俗气、有强壮气、有粗野气，究竟哪一种气是最好的？你要达到中国人审美的最高境界，才能体会到最好的文化。

第三，返老还童。当你老了，掌握了笔墨，还要回到初心，在规范和套路里面走出来，要有生气，对熟练和俗套的逃离，回到初心，回到童真。这三个门槛达到了，才能够画出大写意的好画，难度很大，都不愿意去碰这个东西，一碰就觉得不到位。

画大写意要有一个是精神状态，不是所有人都适合画大写意，对艺术的神交神往，这个“神”很抽象，没有办法用语言来表达，你画的不是画是神，在有形与无形之中与天地融为一体，达到物我两忘的境界，这是最高的境界。

画大写意还要有一种气魄的“醉意”，大写意是有气魄的，有情感的，如果是画工笔的人来画大写意就难进入境界，工笔画长期对造型的谨慎，一下子放不开，所以工笔转换过来大写意的人少。有时候我们看一些画，觉得画得不到位，精神状态没有“醉”的状态，我们为什么要喝酒喝醉？并不是酒好喝，而是要从清醒的状态里面逃离出来，一个人喝酒喝到半醉是很高级的状态，模模糊糊看不清，把平时守规矩的东西慢慢模糊化了，画就会有深意、生气。

我们拿这三点来对标，大写意是非常难的，涉及到传统文化的底蕴，审美的基因。因为书画积累了这么多年，对比观念、横竖观念的文化交叉思考，导向性有一些偏差，比如说导向写实，把写意掩盖了，使得我们在认识度方面缺少。现在国家越来越开放，思维、观察、横向对比之后发现传统的魅力和前瞻性非常高的。所以大家都在强烈推崇传统，因为传统里面确实有一些东西走在世界的前列，在绘画中重拾是非常有意义的。

这次钟瑞军主席主持这个活动非常有意义，尽管是小型展览，但是会把绘画引入到正道里面去，特别是在岭南，钟瑞军主席带领一帮人往大写意走，是非常好的。“意象”是一种现代概念，其实我们还是写意，因为“写”很重要。“意”是一种意境，意象当然有当代意识，我还是觉得“写”很重要。我个人认为国画教学，写是最基本的，在书法里面提炼出来抑、扬、顿、挫等等这些关系来体现情感，线条与造型融为一体，不是脱节的，形成中国独特的绘画审美，这样才能进入到一个境界，如果只是一张画像不像，好不好看，还没有到传统中国绘画的审美境界，审美境界就是突破笔墨、意境，体现出人的内心活动，对世界的感觉和创作。

区广安

广州市美术家协会原副主席

近期，靳尚谊老师提出“大写意去哪里了呢？小写意都没有，现在国画系怎么了？”连说了三句话成了网上的热点。我认为老先生话语的潜台词是：传统中国画的根到那里去了？难道后继无人了？最近我也看到著名理论家邵大箴老先生也提到了这个问题，也在呐喊。当下，传统中国画已经式微了，如果再不引起大家的重视和回归，可能传统中国画就可能会失灭了。

实际上，大写意是传统中国画的精神所在，中国画发展到最高水准就是中国的文人画，天人合一，人与自然的和谐。是提倡诗书画印结合，是追求形而上的审美高度。而现在中国画已经被西洋画造得不伦不类了。现在大多数画者，都是用毛笔在宣纸上画速写画素描。

多年前，我曾去拜访吴灏老先生，他说“我这里是仅剩不多的一块绿洲了”。话中颇有深意。周国城老师从浙江这个文化底蕴很深的地方来到广州，举起了天平楼这面旗帜，提倡诗书画印一体，追求传统文人画方向，现在已有大批追随者。

我们经常谈学院教育出问题了，基本上移植了西方教育，其实是错误的。其实中国近千年私塾式的、师傅教徒弟式，才是真正的中国传统文化传承方式。中国画很讲究执笔的方法，老师傅手把手的传授，言传身教这个才是关键。

现在的学院教育彻底抛弃了传统的体系，即是《芥子园画谱》和追求“六法”的体系。而是以西洋画的素描为基础，采取批发式的、流水线式的培育模式，产生了一大批“画家”。因而形成了目前中国画缺失传统的现状。

赵利平

广东省文艺评论家协会原副主席

广东文化学会原副会长

每次来参加天平楼的艺术研讨都觉得很亲切，大家也很用心，而且能碰撞出一些火花。

刚才听了很多老师的发言，很多我也认同，但我有时候也在想，靳尚谊院长这一次出来谈“大写意”确实非常震撼的，引起了大家全面的反思或者讨论热潮，这是好事。我前几天在羊城晚报艺术研究院关于“大写意”研讨时也说过，大家都知道（大写意）是个难事，但有其自然的规律，所以也可以说“这不是个事”，有时候我跟周（国城）老师也探讨过，发现也不是一个事。这段时间一说大写意，一说意象，所有人都在关注，都凑热闹，我很担心在很多事物上会一边倒，会一刀切，如果是这样的话，也是很可怕的。在大家都不关注的时候，跳出来说一说是非常重要的，但是当大家都要抛弃另外一边，只要写意的时候，我觉得也应该是我们要冷思考的时候。

我觉得社会上有些人也在以大写意的名义在“碰瓷”，其实很多人艺术还没达到刚才说的意象标准。社会在发展，老祖宗的东西好不好？肯定好，老祖宗的东西是文化自信，但老祖宗的东西也不能作为唯一的标准。随着社会的发展总有社会形态的变化，社会观念的变化，社会审美的变化，时代也会赋予一些新的形态，如果所有画看起来都老气横秋时，我觉得你看多了也会疲惫，可能我说的话，大家不一定愿意听，但是我说的是自己一种真实的感受。

我觉得意象很好，但也不要刻意去写，是自然而写，是真的有“意”要表达才去写，而且写也好，意也好，意象也好，必然是画，画必然要有表达，要有寄托的对象，最终表现是什么，这个东西还是要有个载体，要心中有物，笔下有物，可读可品，里面有意趣，这是我们必须要去思考的问题。有很多大写意我觉得非常好，如我对面的这两幅画我觉得非常生动，有一种多一笔多了，少一笔少了，恰到好处的感觉。但是你那几笔没到位的话，就是写意，不是你要表达的意象，不是你要表达的感情，就叫大写意，那也不太好。

刚才听了大家说的也很有感触，周老师一直倡导诗书画印，这是个方向，绝对没错，在创作中有这种修养，或者有一种思考，或有这种表达基础的话，你的画会相对更丰富。但要求一个画家诗书画印都行，我相信没有多少人能做到。天平楼周老师一直倡导大家学习，可能有些人书法好一点，有些人诗好一点，也没有问题，或者你书法差一点，但是造型能力强一点也没问题，关键是我的水平在哪里，真实很重要，是我真实的表达，真实的想法，真实的体现。

刚才周老师说到，让读4年的本科生画大写意怎么画怎么写？他没有这种人生阅历，没有文化积累，难道他就不学艺术了吗？不创作了吗？那也不行，也要学也要创作。所以倡导这种方向，有一种意识跟文化，我觉得是对的，当然路子要正。我们中国画表现的是一种精气神，基础很重要，如果路子不正的话，出来不是很正气，不能表达一种精气神的话，肯定走不远。

说到我们目前这种教育体系好不好？我觉得可能有弊病的地方，当然也有积极的一面，不然不可能几十年都一直延续下来。但如果要培养人才的话，从当下社会，当下发展，按照当下的人才路径走的话，不靠这套教育体系暂时还不行。我也跟很多美院的老师谈过，素描也不影响写意，按照传统的去弄，学过一点素描，对你的造型一定有帮助，对你观察事物一定有帮助，对你最终的表现一定有帮助。包括影像包括色彩，都是质感的东西，层次的东西，传统山水也需要有光影的东西。所以学习了这些东西以后，一样可以在传统画里面表达出来，应用起来，丰富起来，把时代感体现出来。所以我觉得基础教育也很重要，年轻人能写意的时候就去写意，写意是自然而然的写，不能写意的时候多写点基础，打下扎实的基础，多学习点观察的方法，多去表现自己热爱的东西。所有学美术的人都希望成大家是不可能的，一个时代，一个地方，最终也就是三、七个人出来，所有人都去追求这三、七个，很难。但美育对我们的社会很重要，会培养一批对美有感觉的人，热爱美的人，也可以去从事不同的创作，不同的事业，不同的行业，把美应用到其中，丰富社会的发展。

钟瑞军

广东省青年美术家协会主席

广州市美术家协会副主席

今日的展览主题是“意象”，意象是中华民族的共同文化基因，是经过长期历史沉淀和积累形成的，更在诗词、书法、绘画等艺术形式中留下了深刻的印记。例如，“飞流直下三千尺，疑是云河落九天” ，“海内存知己，天涯若比邻”，正是因为意象这一文化基因的存在，中国画发展出写意这一艺术表现形式。

写意有三层含义：第一层是“书写”，突出“写”和“表达”；第二层是“意”，即作者思想和情感；第三层则是“写意”，即情感的表达。无论是工笔还是大写意，其本质都是写意，都是有感而发。写意并非不注重形，而是追求形神兼备。即使是看似随意的画作，也有着严格的法度和完整的体系。

中国画的写意精神有别于西方的科学精神，它是一种内在的观察和意识，最终转化为艺术家想要表达的内容。意象没有固定的规范，它是艺术家的意识与所观察物象的结合，因此每个人创作的作品都是独一无二的。

写意为什么能得于实现？源于书画同源的艺术观念。我一直认为，水和墨只是形式，而笔才是精神的主导。笔遵循画面结构的逻辑，通过“写”进而衍生出笔墨结合的艺术理念，这涉及如何巧妙地组合花鸟、山水等元素。优秀的山水画作品。前几天看了赖少其先生的藏品展，很精彩，展现了其深厚的书法、诗词、人格和传统文化修养。这些作品是大写意，具有极高的文化价值。书法的融入，使写意得以实现。

在探讨诗书画印结合的问题时，就要谈到中国画的文学性。文学性是中国画艺术表现力的重要组成部分，它赋予了画作更深层次的意义和情感。缺乏文学性的中国画往往显得内容单薄，缺乏深度。诗书画印的结合不仅丰富了艺术作品的表现形式，也增强了其表现力和感染力，更重要是极大提高了中国画的审美高度。

对于年轻画家而言，诗书画印的结合是一项巨大的挑战，但只要方向正确，眼高就不怕手低，路正就不怕路远。我们不一定能做到诗书画印皆能，但一定要培养这种意识，要具备高远的审美眼光。因为认识论决定方法论，这种认识上的提升，是艺术进步的前提。

李世云

新快报收藏周刊主编

广东省青年美术家协会副主席

今天来到南方画院看到这个展览，感触非常深，刚才和周国城主席聊起来，究竟什么是好的中国画，什么是好的中国写意画？其实写意画有什么问题吗？写意画没有任何问题，只是我们自己的问题到底在哪里，我们聊这个问题感觉很幼稚一样，为什么要聊呢？这就是一个问号。

为什么90岁的靳尚谊老院长提出疑问，他最后一句是“现在国画系怎么了？完了吗？”扣人心扉，值得我们好好体会和深思。

在今天岭南、广州这个时刻，策划“意象?甲辰中国画邀请展”，展览现场清新，文气扑面而来，让我们能够感受到中国画的味道，感受到这种非常传统的、非常贴心的、非常优雅的中国画。中国画没有完，中国画又回来了！

关坚

广东画院专职画家

广东省青年美术家协会副主席

现在我们为什么老说写意画、文人画总是在大型展览里面缺席，连院校毕业展里面也见得不多了，其实这是一个很复杂的问题，并不应怪罪于学生和老师，这是由社会各种因素促成现象产生。但这个现象的产生也很自然，也许过一段时间会有其他的转变。

文化跟科技不一样，科技是讲进步，文化是讲传承讲繁荣。中国画的传承是把前人艺术上一些好的养分吸收，再把它转化成自己的东西，产生自己的艺术语言，在作品里体现出来、表达出来，这是非常重要的。无论是大写意或者工笔画都是很有必要的，因为文化需要多元，只有大写意或工笔画都不行。

写意画里面有一个很重要的特点，要留出空间，让观者参与到画的创作者。写意画的繁荣发展离不开观众群的培养；写意画的好与不好，画家在艺术圈、理论圈可以讨论，但一般民众对写意画不了解，那么通过理论家、媒体对展览、评论进行引导，引导观众学会分辨艺术品的高低。写意画的门槛比较高，一般观众很多艺术欣赏知识都是缺失的，需要培养。要定期美学欣赏提升的展览及做学术交流活动，媒体宣传报道，长期坚持，可提升观众的写意画欣赏水平。

赵健行

广州画院专业画家

一级美术师

广东省青年美术家协会副主席

东西方绘画来源于不同的哲学体系，我认为有一句话概括得非常恰当， “为学日益，为道日损”。西方哲学是跟随着科学的进步而发展，西方绘画亦然，西方油画从素描、色彩，一步一步积累下来，是不断丰富，是“为学日益”的过程。中国传统哲学主张把外在的东西不断舍弃，追求思想境界的升华，要求“为道日损”。因此也有一个说法，西画是加法，国画是减法，表达的也是这个意思。在两个语言体系或者学说思想体系下，产生了两种不同的教育方式，一个是学院教育，一个是师徒教育。学院教育制度是在西方教育思想影响下建立的。在美术学院的教育体系里，天然的以培养造型能力为基础。与强调以书法、笔墨修养为基础的中国传统大写意文人画走在了完全不同的两条道路上。潘天寿先生作为浙江美院院长对此异常清醒，他一直主张“东西方拉开距离”。中国美院直到今天依然保持对书法教学的重视也正源于此。其实靳尚谊院长不要太苛责中央美院的毕业创作展没有大写意国画，倘若真有，我相信，受批评最多的，必定是展出的大写意作品。因为，要成长为一位出色的传统大写意画家，需要具备全面的文化、思想修养，以及对笔墨语言的深刻认识。是一个伴随画家一生的不断自我修炼、提高过程。也就是说，永远毕不了业。在学院教育体系下，四年时间可以培养出优秀西方绘画的画家。事实上，美术史上的许多名画也就是毕业创作。但是，四年时间却难以培养一位能入门的大写意文人画家。

大写意的难就难在要表达作者的思想境界。大写意的“大”是高境界。“意“表达的是你心中的意气。其中其最关键作用的是”写“，以书法为基础笔墨表达。可以设想，缺失了对书法艺术理解的所谓大写意，就只能是“大意”了。

金仁贵

广州市美术家协会副主席

广州美术学院城市学院外聘副教授

大写意是一种精神，是中国人的一种气节。“写意”是中国艺术的灵魂，而“大”则包含了天地社会内容的纵横观照。中国绘画追求天人合一，讲修养，尤其是写意画，其诗意的境界由心而生。同时，中国画也讲究人格文化的完善，倾注了作者主观的“意”与“神”映射在书写性的绘画里。

我们有时会把技与道两者混为一谈，如果把“大写意”说成一种技，那它就成为一种形而下的画法，变为器层面的一个画种，其间古今一体的宇宙观被忽视。现如今文化的多元交互使我们所能学习的技法越来越丰富，东西方之法适合个人都可任君采用，但涉及“道”层面的传统则需要回归本源。写意是中华民族与生俱来的本能，这在中国的哲学文化中表现得非常明显。“朝闻道，夕死可矣”，它讲究“悟道”，讲究无极无际的本质。

我自小就跟从王憨山老师学画画，启蒙之初不断临画芥子园。王老师常跟我说“一息尚存要读书”，告诫我要把知识用活，要从经典中汲取智慧。老师常强调“中国画的法度与气度靠勤学与梦养，画者更应具有担当与情怀”。他让我们在画画时注重生命力的呈现，不把画“画死”；极少规训我们用笔需要如何增减，用墨需要如何浓淡。印象深刻他曾把我们送到南岳衡山去写生，一个月的历炼中，先生始终教导我们把画作的精、气、神当作创作的重要标准。画国画注重“悟”，正所谓“立象以尽意”，人与万物都是有生命和灵魂沟通一体的“意”，中国画正是这样一种联结文化精神及民族内涵的物象象征。

赵节初

广州市白云区书法家协会原主席

谈“意象”，我倒不觉得“意象”就是大写意。“意象”不仅仅是在传统文人画里呈现，传统文人画主观的意象有局限性，我们现在的生活、时代与文人，绝不仅仅是大写意。钱松嵒也是传统文人过来的，当时在南京看到他的作品，如《郑和下西洋》，感觉很震撼，他是用中国传统的笔墨来表现的现代题材，没有用当代材料，还有《南京长江大桥》《长城》都是运用传统笔墨来表现。

我觉得画要有时代气息，笔墨当随时代，中国传统几千年传下来的笔墨，怎么将时代精神灌注在传统的笔墨当中表现。怎么用笔墨的表现形式来追踪古今时代的大事、表现时代的变迁，用艺术怎么来记事、记录时代。

赖智豪

广东省青年美术家协会副主席

广州青年美术家协会主席

以我的经历来看，所有艺术都是有程序的，书法与绘画也是如此，程序产生时间性才会有节奏韵律的产生，才能把许多问题弄清楚。

书画都是造型艺术，塑造造型需要笔墨。笔墨的高低与用笔、用墨和书法有很大关系，我在学习过程中领悟老师的教导过程中，通过笔墨来塑型，提练笔墨，先由简到繁，再由繁到简，这也是人生的阅历，画画跟人生经历是一样的，作画如做人。

书画同源，赵孟頫对书法的理解：结字因时相传，用笔千古不易！我觉得同样适用于中国画发展中，用笔规律不变，但里面的造型随着时代不一样会变化。如果不想重复传统的造型，那就出去写生，在大自然里吸取养分，画出当下的感受与面貌。我目前的实践，可能更多的是在探索用传统的笔墨写当代的景。希望自己能向老师靠齐，通过对生活的阅历，由加法走向减法。从而形成个人风格。

梁志钦

新快报特刊编辑部副主任

我的专业背景是美术史，十多年一直从事艺术类报道的媒体工作，过去一段时间，我们策划了很多有关大写意以及书法与中国画关系的话题。

去年年底，在张治安先生刚逝世的时候，我就跟李世云主编商量，张治安先生的离开对岭南意味着什么？我们是否可以找一些角度缅怀的同时并引出一些思考？随即，我们抛出了话题“张治安留下遗憾，大写意谁来扛旗”并策划了专题《大写意破局》，那时候就已经开始了大写意的讨论。

后面随着靳尚谊先生“大写意之问”的热点出来之后，我们也推出了一系列的深度报道，理论家、画家都有参与讨论。

从媒体的角度，我们是希望看到更多圈内的专家学者能够对相关话题发出自己专业的声音，否则，如果专业的话题被关注的人越来越少，越来越式微。

今天，广东省南方画院能够推出这样的展览，并举办座谈会，这是十分难得的事。如果说我们之前一直是通过网络、报纸等传媒的方式推广，那么，现在则是一个落地现场的面对面的探讨，也相当线上线下结合，共同把中国画的写意精神全面而立体化地进行探讨。

孔繁乐

广州市美术家协会原副主席

元朝汤垕《古今画鉴》：“观画之法，先观气韵，次观笔意、骨法、位置、傅染，然后形似，此六法也。若观山水、墨竹、梅兰、枯木、奇石、墨花、墨禽等，游戏翰墨，高人胜士寄兴写意者，慎不可以形似求之。先观天真，次观意趣，相对忘笔墨之迹，方为得之。”关于写意画，我个人认为，传统的中国画本身就是写意画。

我们看看古人是怎么说的——

关于人物画东晋顾恺之（公元348年～409年），《画论拾遗》：恺之每画人成，或数年不点目睛，人问其故，答曰：“四体妍媸[yán chī]，本无缺少妙处，传神写照，正在阿堵中。”

顾恺之每画好一幅人物画后，有时好几年眼都不点睛，有人问这是什么缘故，他回答说：“画面上的人物整个身体在美丑方面本来并不缺少精妙之处，但要想达到传神写照，唯有在眼睛里表达。”

恺之每重嵇[jī]康四言诗，因为之图，恒云：“手挥五弦易，目送飞鸿难。”

顾恺之每每重温嵇康的四言诗《赠秀才入军》，打算以诗意创作画作时，常常感慨道：“描绘嵇康用手弹拨五弦琴比较容易，而想表现嵇康目送飞去的鸿雁时的情感就不那么容易了。”（嵇康作为竹林七贤之一，是一个决破礼法束缚，力求回归自然的道教人物。）

尝图裴楷像，颊上加三毛，观者觉神明殊胜。

顾恺之曾为裴楷画肖像，凭自己想象刻意在面颊上加画了三毛，观画的人看了，感到这样一来裴楷的风采神韵更胜一筹了。（《宣和画谱》：“昔人论人物则曰：白晰如瓠其为张苍，眉目若画其为马援，神姿高彻之如王衍，闲雅甚都之如相如，容仪俊爽之如裴楷，体貌闲丽之如宋玉。”）

又为谢鲲像，在石岩里，云：“此子宜置丘壑中。”

顾恺之又曾为谢鲲画肖像，往往将人物与岩石结合在一起画。顾恺之说：“就是应该把他画在山水丘壑之中才对。”

关于山水画，顾恺之在《摹写要法》中就提到“以形写神”，写“形”的目的是写“神”，后人唐张彦远在《历代名画记》中提出：“古之画或能遗其形似，而尚其骨气，以形似之外求其画，此难可与俗人道也；今之画，从得形似而气韵不生。”从这段话中可以理解，追求画外的意境，如果被客观物象的形束缚，一味追求形似，那画面中的气韵就必定有所缺失，这也就是为什么谢赫在六法中将“气韵生动”排在第一位的缘故。“应物象形”是从技的方面的追求，其最终目的还是为了“气韵生动”。

南朝?宋?王微《叙画》（公元415～453年）：夫言绘画者，竞求容势而已。且古人之作画也，非以案城域，辨方州，标镇阜，划浸流。本乎形者融灵，而动者变心。灵无见，故所托不动。

说起绘画，无非竞相追求物象的形神而已。况且，古人作画，并非在画城市地图，用于辨别某个地方的方圆大小，标示镇阜位置，划分江河湖泊流向。绘画作品于物象中融入了的精神和灵魂，观者则为之心动。若缺乏灵魂的作品，则不会让人动情。

像山水画中的披麻皴、斧劈皴、云头皴、雨点皴、弹涡皴、荷叶皴、解索皴、乱柴皴、牛毛皴等等，无非都是根据不同的地域山石的特征写意而为。

【元】王绎《写像秘诀》：凡写像，须通晓相法。盖人之面貌部位，与夫五岳四渎，各各不侔，自有相对照处，而四时气色亦异。彼方叫啸谈话之间，本真性情发见，我则静而求之，默识于心，闭目如在目前，放笔如在笔底。

但凡画人像，必须通晓看面相。大概上人的面部各个部位的相貌，与五岳（嵩山、泰山、华山、衡山、恒山）四渎（长江、黄河、淮河、济水）之间的区别一样，各自不同，各有自己的特质，并且一年四季的气候景色也不一样。在画人像时，所画对象哪怕对方在呼啸，或谈话之间，都可以看得出对方的真实性情，作为画家则要静心去求取，暗中记住在心中，在画画的时候闭上眼睛，将一切重现在眼前，随心挥毫，笔下尽情发挥。

现代已经有了照相术，我们试拿照片与我们认为逼真的工笔画在PS软件对照一下，就可以看出，现实之中中国画作为基本元素的线条是根本不存在的，这正说明了中国画就算是工笔画，构成画面的基础，本身也是写意的。

那么当今将画分为写意与工笔，我觉得是不合理的，传统的工笔画本身也是写意画，应该叫做具象画与抽象画更为贴切一点。

我回个头来再谈谈大家通俗上所说的写意画，因为已经从形似进入到了追求神似的阶段，这就要求作者与读者对创作对象都有深入了解才能产生共鸣，这就是在读这类画的时候会产生争议的原因。特别是现在有些大写意的画，完全脱离了形似，我们看看古人是怎样看的。

清邹一桂《小山画谱》，东坡（苏轼）诗：“论画以形似，见与儿童邻。作诗必此诗，定知非诗人。”认为论及到画画追求形似，这是同小孩子的见识差不多。如果作诗只停留在字面上的意思，那一定不是个好诗人。邹一桂认为这观点拿来论诗则还可以，要是拿来论画则不可。未见过有形不似而反而获得神似的，这老先生自己不能精于绘画，故此拿这个来说事。他还在《观棋》中写有：“胜固欣然，败亦可喜”“空钩意钓，岂在鲂鲤”，这亦是因为他自己不善于下棋，故作禅语而已。又有人认为肖像只要眼睛及面部轮廓相似了，其他没有不似的，这亦不正确。唐白居易说：“画无常工，以似为工，学无常师，以真为师。”认为画画不存在一成不变，能达到与物象接近就算擅长了；去学画画同样也不存在一成不变，以追求到事物的真相就是学到了。宋郭熙亦说：“诗是无形画，画是有形诗。”而东坡去否定形似，直接称他为门外汉可以了。

参展画家及部分作品